BAD BRAINS

Los miembros de Bad Brains se conocieron en el suburbio de Washington D.C., District Heights, Maryland.

El guitarrista Gary Miller alias «Dr. Know» ya había tocado el bajo en varias bandas funk de la zona y entre esos cambios de banda conoció a Darryl Jennifer, quien más tarde sería el bajista del grupo. Luego se les unieron los hermanos Paul (alias «H.R.») y Earl Hudson (voz y batería, respectivamente) y comenzaron como una banda híbrida jazz funk llamada Mind Power. Al cabo de varios meses, un amigo los metería dentro del punk al escuchar a Dead Boys; tras ello, se transformaron totalmente y cambiaron su nombre a Bad Brains, por el título de una canción («Bad brain») de Ramones.

A principios de 1978, los miembros del grupo vivían juntos en una casa de Bayway, Maryland, que Doc consiguó gracias al mánager de Rustler Steak House, donde trabajaba. H.R. y Darryl también consiguieron trabajos, pero no duraban mucho, por lo que terminaron lavando autos. Earl trabajaba lavando ropa en el hospital. Más adelante, H.R. entró a trabajar en Atlantic Research and Development, una fábrica de bombas que manufacturaba Stinger y misiles MX. Darryl, sin permiso de conducir, pasaba a buscarlos a medianoche para ir a ensayar a la casa en Bayway.

Para comenzar a hacerse conocidos, realizaron carteles y dieron concietos gratuitos en el sótano de su casa; también vendieron ellos mismos su maqueta. Posteriormente, tuvieron una gran demanda en los conciertos punk de D.C. Antes de dejar D.C. a finales de 1978, los Slickee Boys les recomendaron que grabaran sus canciones en Inner Ear Studios, en Arlington, Virginia. Grabado en junio de 1979,^[1] Black Dots es el resultado de esta sesión.

Para aquel entonces, Inner Ear Studios era el sótano de Don Zietara (lugar que sirvió para grabar numerosos clásicos del hardcore punk, tales como el EP Minor Disturbance de The Teen Idles). Para la grabación, Don estaba instalado en las escaleras que daban a la cocina, Dr. Know y Darryl tenían el espacio principal del sótano, Earl estaba sentado en la batería, con el cuerpo completamente dentro de un armario, y H.R. estaba al principio de las escaleras que daban al patio, sosteniendo el micrófono (se puede oír al hijo menor de Don hablando a H.R. y unos grillos entre canción y canción).

Todo salió bien en la grabación y Black Dots representa su primer repertorio en vivo y su primera canción propia, «Don’t need it». Con los meses, las canciones eran cada vez más rápidas y caóticas y terminaron definiendo el estilo hardcore, imitado profusamente por numerosas bandas en las décadas posteriores.

La marcha a Nueva York [editar]

Cuando actuaron como teloneros de The Damned, en el Bayou, en junio de 1979^[2] , los guardias arrojaron a Darryl a la calle tras un incidente y se prohibió al grupo el acceso al club. Además, The Atlantis estaba siendo reconstruido, por lo que no veían un buen futuro en D.C. Por ese motivo, se mudaron a Nueva York, donde había locales donde actuaban grupos de música punk, como el Max’s Kansas City, el Tier 3, el Peppermint Lounge, el A 7, el famoso CBGB, entre otros.

Allí tuvieron la posibilidad de grabar independientemente su primer single de 7 pulgadas Pay to Cum en diciembre de 1979 e incluso un vídeo de 15 minutos, titulado My picture in the movies baby. El video consistía en una actuación en CBGB’S de 1979. Después de eso, se volvieron uno de los grupos con mayor renombre de Nueva York y comenzaron a influir en muchos otros de N.Y. y D.C., tocando un estilo que hasta el momento era conocido como thrash, movimiento del cual fueron los precursores.

El single apareció finalmente en junio de 1980 ^[3] , autoeditado en su sello Bad Brains Records. Su primera publicación, sin embargo, tuvo lugar con la inclusión del tema «Don’t bother me» (también conocido como «You») en el recopilatorio The best of Limp, editado unos meses antes.^[4]

Para 1981, viajaron a tocar a California. En marzo de 1982^[5] salió su primer cassette, considerado por algunos músicos como el mejor disco hardcore punk de la historia. La cinta Bad Brains, publicada por el sello especializado en cassettes ROIR Tapes, contenía sonidos thrash, punk y también reggae, ya que se habían aproximado a la cultura rastafari en 1980.

1983 vio la publicación de Rock For Light, un disco extremadamente veloz, con algunas canciones antiguas grabadas nuevamente, además de canciones nuevas, agresivas, y tres temas reggae. El disco lo produjo Ric Ocasek, el famoso líder de The Cars.

En 1984, se disolvieron por primera vez, pero volvieron a juntarse a fines de 1985 y editaron I Against I en 1986 en el sello SST, totalmente renovados y lanzándose a nuevas giras a lo largo de 1987, tras las cuales el grupo se volvió a disolver.

Tras la publicación, en 1988, de undisco en vivo (Live, también en SST), se reunieron otra vez y grabaron para el sello Caroline el LP Quickness, un disco totalmente distinto, combinando mucho metal con punk y algunos sonidos funk. Después de ese disco se produjeron grandes diferencias musicales: H.R. y Earl querían dedicarse totalmente al reggae, mientras que Dr. Know y Darryl querían tocar metal. Eso hizo que H.R. y su hermano dejaran el grupo, lo que no impidió que Darryl y Dr. Know grabasen Rise, otro disco en la línea de Quickness, con un clon vocal de H.R. y un batería blanco.

Última etapa [editar]

En 1994, se juntaron nuevamente y grabaron God Of Love al año siguiente, basado en el reggae y el heavy metal de fusión. A fin de promocionar el disco, se unieron a Beastie Boys, quienes también habían dejado el hardcore de sus inicios para convertirse en una banda que experimenta con diferentes estilos (sobre todo el hip hop). Sin embargo, para los fans de su revolucionario estilo hardcore, God of love es su peor disco.

Mientras cruzaban la frontera con Canadá, H.R. fue detenido por posesión de droga. Los miembros del grupo fueron advertidos por sus colegas de Beastie Boys de que si los problemas continuaban, la gira debería darse por concluida. Tras ese incidente, H.R. golpeó brutalmente a su mánager antes de un concierto e intentó matar a su hermano.

Durante una actuación en esa gira, H.R. golpeó con el atril de un micrófono a un par de chicos, pensando que le estaban escupiendo: ambos fueron hospitalizados y ello dio fin a la gira. Se le detectó a H.R. un nivel de esquizofrenia medio. Visto el fracaso de la gira, se disolvieron, aparentemente de forma definitiva, pero en 2001 se reunieron para un concierto, bajo el nombre de Soul Brains, tocando los antiguos temas con el furor de aquella época original del punk.

En 2003, grabaron un disco de reggae, titulado I And I Survived.

El 24 y 25 de febrero de 2006, dieron un concierto en el clásico local CBGB’S de Nueva York, asegurando que habría muchos más a continuación. Su último disco, Build A Nation, es como una versión moderna de lo que habían sido casi 30 años atrás. Adam Yauch, de los Beastie Boys, se encargó de la producción.

También participaron en una de las últimos conciertos hardcore de CBGB’S, participando en la noche de reapertura del club en Las Vegas, tras su clausura a mediados de 2006 en Nueva York.

En 2008, Bad Brains fue de gira por Latinoamérica, pasando por países como Chile, Argentina y Brasil.

 

 

 

 

Fatboy Slim

Norman Cook nació el 13 de julio de 1963 en Bromley, Inglaterra. Norman "Jacker-Of-All-Genres" Cook, además de sus primeros pasos en el mundo de la música como bajista de Housemartins y como uno de los tres hitmakers de acid-jazz del grupo Pizzaman, es también el hombre que está detrás de uno de los más grandes nombres del nuevo folk inglés y que produjo el movimiento “brit hop”, Fatboy Slim. Realizó sus primeras mezclas como Fatboy en la discoteca Skint, el sonido de Cook mezclaba estilos tan variados como el hip hop, el house, la música electrónica, el funk... para más tarde ampliar horizontes como productor, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los más respetados de U.K.

Cook fue uno de los componentes de los Housemartins en 1986, reemplazando a uno de los miembros fundadores, Ted Key. Tras la disolución del grupo un año más tarde, Cook se involucró en la cada vez más popular escena del acid house, juntándose a los productores Tim Jeffery y JC Reid a finales de la década para formar Pizzaman. El trío consiguió colocar tres éxitos en el Top 40 ("Trippin' on Sunshine", "Sex on the Streets", y "Happiness") antes de que Cook comenzará sus proyectos junto a Freakpower y Beats Internacional a comienzos de los 90’.

Después de sus aventuras con estas formaciones decide comprometerse más con las labores de producción hasta que a mediados de los 90’, tomando una especie de doble personalidad, se reencarna en Fatboy Slim. Como Fatboy a realizado cuatro discos además de aplicar sus cualidades remezcladoras para trabajos a terceros.

Además de sus discos, Cook realizó también “Skip to My Loops”, un CD de samplers propios que rápidamente pasó a ser una de las herramientas más populares en los estudios de grabación.
A comienzos de 1998, su remix del tema de Cornershop "Brimful of Asha" se mantuvo varias semanas como nº 1 en las listas británicas, haciendo que el segundo Lp com oFatboy Slim se esperara como agua de mayo. “You've Come a Long Way, Baby” tuvo que adelantar su salida para finales de ese mismo año consiguiendo ser disco de platino en EE.UU. con los temas "The Rockafeller Skank" y "Praise You" colocándose en los puestos más importantes de las listas internacionales. Este último tema se acompañó de un video dirigido por Spike Jonze que ganó premios MTV entrando también en las nominaciones a los Grammy.

Tanto estos dos temas, como otros que posteriormente se sacaron del disco acabaron siendo las bandas sonoras de innumerables spots publicitarios, elevando a Fatboy Slim a las posiciones más importantes del panorama musical y a ser aclamado por las críticas.
El último álbum de Fatboy Slim hasta la fecha es “Halfway Between the Gutter and the Stars” editado en el 2000.

Bob Marley

El 6 de febrero de 1945 nace ,Robert Nesta Marley, hijo de Cedella Booker, una mujer negra de apenas dieciocho años, y del Capitan Norval Marley, del Regimiento Británico de las Indias Occidentales, un ingles blanco de 50 años de edad.

A los 3 años, la gente del vecindario pensaba que Bob tiene poderes psíquicos. Lee las manos de varias personas revelándoles un conocimiento de sus vidas. Norval decide llevar a Bob a Kingston para educarlo. Este hecho no le hace demasiada gracia a Cedella pero finalmente Bob parte para Kingston en un microbús. Norval deja a Bob con una vieja enfermera en vez de en una escuela y desde ese momento desaparece de la vida de Bob.

18 meses más tarde su madre consigue localizar al pequeño Bob que lo vuelve a llevar a Nine Mile. A su regreso a Santa Ana le piden a Bob leer la mano de una amiga, pero el se niega, alegando "Ahora soy cantante".

Es por este entonces cuando Toddy Livingstone y su hijo Bunny se trasladan a Nine Mile. Marley contaba ya con 11 primaveras y se hace buen amigo de Bunny. La relación se ve fortalecida cuando la madre de Bob se junta bajo el mismo techo con el padre de Bunny. Al poco tiempo se trasladan a Kingston.

Junto a Bunny, comienza a tocar latas y guitarras improvisadas. El sonido que los dos hacían era influenciado por las emisoras de Estados Unidos, tocando canciones de artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o The Drifters que tenían mucha popularidad en Jamaica.

Por este entonces Bob consigue un empleo en una fundición, pero la música era el gran objetivo de su vida. Tras quemarse un ojo en la fábrica Bob decide finalmente entregarse a la música junto a Bunny.

El dúo era ayudado por Joe Higgs, un cantante que a pesar de que ya poseía una cierta fama en la isla todavía vivía en Trench Town y daba clases de canto para principiantes. En una de esas clases Bob y Bunny conocieron a otro joven músico llamado Peter McIntosh.

En 1962 Bob Marley es escuchado por Leslie Kong que, impresionado, decide grabar algunas canciones como "Judge Not". Al año siguiente Bob llega a la conclusión que el mejor camino para alcanzar su sueño es en un grupo, Así es como llama a Bunny y Peter para formar los "Wailing Wailers".

El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presento al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió invertir en el grupo.

El ritmo de moda en Jamaica era el Ska que mezclaba elementos africanos con el rhythm & blues y que tenia a Clement "Sir Coxsone" Dodd como uno de sus más famosos divulgadores. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963 y en enero su música ya era la más oída en Jamaica. El grupo estaba formado por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos vocalistas femeninas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

Es hacia este año cuando Cedella, la madre de Bob, se casa de nuevo, por lo que se muda a Delaware, Estados Unidos, después de muchos esfuerzos para juntar dinero. Cedella deseaba para Bob una vida en América, pero antes de mudarse a EE.UU. Bob conoce a a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casa con ella.

Marley está ocho meses con su madre pero vuelve a Jamaica. Bob llega a Kingston en octubre del 66, apenas seis meses después de la visita de Hailè Selassiè, que dio nueva fuerza al movimiento Rastafari de la isla. Marley se notaba cada día mas cercano a la creencia Rastafari y, a partir del 67, su música comenzó a reflejarlo. Los himnos como los de Rude Boys dieron lugar a una creciente dedicación a las canciones espirituales y sociales que se volverían piedra fundamental de su legado.

Bob reúne a Peter y Bunny para formar de nuevo al grupo, pero esta vez deciden llamarse The Wailers. Rita también comenzaba su carrera como cantante con "Pied Piper", una versión de un tema de pop ingles. La música jamaicana, entretanto, había cambiado.

La frenética ola del Ska estaba dando lugar a un ritmo mas lento y sensual llamado Rock Steady. La nueva creencia Rastafari de los Wailers los coloco en conflicto con Coxsone Dodd, con lo que fundan un nuevo sello, Wail’n Soul’m. Pero, a pesar de sacar algunos éxitos, los negocios no acaban de cuajar y el sello no llega a finales de 1967. El grupo sobrevive como compositores de una compañía asociada al cantante Johnny Nash.

Es entonces cuando Wailers conocen a un hombre que revolucionaria su trabajo: Lee Perry, cuyo genio productivo había transformado las técnicas de grabación. La asociación Perry / Wailers dio como resultado algunas de las mejores grabaciones de la banda. Canciones como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y"Small Axe" se convertirían en clásicos que definirían la dirección futura del reggae.

En 1970, Aston “Family Man” Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers. Los hermanos eran conocidos como la mejor sección rítmica de Jamaica. Mientras, Los Wailers eran reconocidos en todo el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob acepto una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia. Durante el viaje firma un contrato con la CBS. En la primavera de 1972 los Wailers estaban en Inglaterra promoviendo el single "Reggae on Broadway".

El single no tiene éxito y como último intento Bob entra en los estudios de Island Records, y habla con Chris Blackwell, fundador del sello. Blackwell conocía a los Wailers acabó realizando una propuesta a la banda.

Con 4 mil libras debían grabar un álbum. Era la primera vez que una banda de reggae tendía acceso a las mas avanzada tecnología de grabación. Todas las discográficas decían que un grupo de reggae solo vendería algunos singles, como mucho se podría llegar a vender un recopilatorio de bandas. Pero no fue así.

El primer álbum de los Wailers, "Catch A Fire” llevó consigo una fuerte promoción. Sería el disco que marcaría el camino hacia la fama y el reconocimiento internacional no solo de The Wailers, sino también del reggae.

El disco no fue un éxito instantáneo, sino que fue escalando puestos poco a poco. El ritmo de las canciones junto a las letras políticas de Marley contrastaban con lo que se solía escuchar en el viejo continente, pero consiguió su meta, vender los suficientes discos como para seguir.

Como el disco no dejaba de vender discos, sin prisas pero sin pausas, Island decide realizar una gira por Inglaterra y los Estados Unidos, toda una novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocarón en Londres en abril del 73, y de hay una multitud de conciertos que les enmarcaban como una de las bandas con mejor directo del momento. De todos modos los escenarios se les hicieron duros para Bunny y tras volver a Jamaica para descansar unos meses decide no tocar en la gira americana.

Bunny es sustituido por Joe Higgs. En la gira comenzaron teloneando a Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone. Pero los promoteres se dieron cuenta que con los Wailers abriendo el espetáculos, los principales artistas quedaban relegados a un segundo plano.

The Wailers llegan a San Francisco, y en la radio KSAN realizan un directo que sería publicado en 1991, "Talkin’ Blues". En 1973se edita el segundo álbum, “Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones mas bellas.

En 1974 Marley se convierte en un ermitaño del estudio trabajando en "Natty Dread", y un año más Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario.

El éxito de los dos anteriores trabajos y del carisma de Bob lleva a la formación a se conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" es lanzado en febrero de 1975, y el disco lleva a la banda realizar otra larga gira. Para compensar la salida de Bunny y Peter se ficha a las I-Threes, un trio femenino compuesto por la esposa de Bob, Rita, Marcia Griffiths y Judy Mowatt. Entre los conciertos, el más destacado fue la doble jornada en el Lyceum Ballroom de Londres, reconocido como uno de los mejores conciertos de la historia. De esta actuación se editaría luego un disco que entraría directamente en las listas de éxito.

El siguiente trabajo de Bob y los suyos, "Rastaman Vibrations" (1976) consigue colocarse en muy buenas posicione en las listas americanas y fue considerado como la más clara exposición de la música y de las creencias de Bob. El tema más significativo sería "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

Todos estos éxitos convertían a Bob en el principal embajador de Jamaica y para agradecer el detalle al pueblo de la isla, Bob da un concierto abierto en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976. El concierto expresaba la necesidad de la paz en las calles de la ciudad, donde las bandas se hacían dueñas de todo lo que deseaban.

Después de anunciar la actuación, el gobierno convoca elecciones para el día 20 de diciembre. El anuncio de las elecciones provoco que ciertas bandas atacaran la casa de Marley y lo tirotearan. Afortunadamente Bob pudo escapar ileso a las montañas cercanas de la ciudad. Pero los tiros no evitaron que Bob no tocara y subió desafiando a los agresores.

Una vez acabado el show se dirigió a Las Bahamas y de ahí a Londres, donde gravó "Exodus". El disco saldría a la venta el verano de aquel año, y consolida el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de inglesas durante 56 semanas seguidas y con tres singles "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jammin’" entre los más vendidos.

En 1978 la banda cosecha un nuevo éxito con "Kaya", que llega al nº 4 en Inglaterra una semana después de su lanzamiento. El álbum mostraba a un nuevo Marley, en disco plagado de canciones de amor y homenajes al poder de la "Ganja". Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" y "Is This Love".

En abril de ese año vuelve a Jamaica para el "One Love Peace Concert", y consigue que el primer ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se den la mano en el escenario. Tal hecho llevó a las Naciones Unidos a condecorar a Marley con la Medalla de la Paz.

A finales de año, Bob visita por primera vez África. Primero Kenya y después a Etiópia, hogar espiritual Rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y América que daría como fruto su segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus".

"Survival", el noveno álbum de Bob Marley se lanza en el verano de 1979. El disco incluía el tema "Zimbabwe", un himno para Rodésia, "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". "Survival" homenajeaba a la solidaridad Pan-Africana.

En abril de 1980, Bob y los suyos son invitados por Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación. Esa fue la mayor honra ofrecida a la banda y demostró claramente su importancia en el Tercer Mundo.

El siguiente disco de la banda sería "Uprising" (1980) que consiguió el éxito inmediato con "Could You Be Loved", además de "Coming In From The Cold", "Work" y "Redemption Song". Este disco les lleva a embarcarse en su mayor gira europea y rompiendo records de asistencia. El concierto más multitudinario se realizó en Milán con más de cien mil personas, el mayor de la historia de la banda.

Tras finalizar la gira en Europa se dirigen a los Estados Unidos. Después de dos conciertos en el Madison Square Garden, Bob enferma.

Tres años antes Bob se había lesionado el dedo del pie jugando a fútbol. La herida se volvió cancerígena y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuo reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a esparcirse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad ocho meses, pero el tratamiento solo usaba remedios naturales. El tratamiento parecía estabilizar a Bob pero repentinamente todo empeoró. A comienzos de mayo deja Alemania, donde estaba realizando el tratamiento, para volver a Jamaica, pero no pudo finalizar el viaje. Bob Marley moría en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981.

Un mes antes, Marley había recogido la Orden del Mérito de Jamaica en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país.

El 21 de mayo de 1981, el Honorable Robert Nesta Marley, era enterrado oficial mente por el pueblo jamaicano. Tras el funeral, al que asistió tanto el primer ministro como el líder de la oposición, el cuerpo de Marley fue llevado a su tierra natal, Nine Mile, en el norte de la isla , donde descansa desde entonces en un mausoleo.

Bob Marley murió a los 36 años, pero solo en cuerpo, porque su alma seguirá viva en su música hasta el final de los tiempos.

The Cure

Robert Smith (cantante y guitarrista del grupo) querían curar al enfermizo mundo que simbolizaban los Rod Stewart, los Queen, etc. El intento fue claro, luchar por conservar el autonomismo punk, pero con una visión más abierta en forma y más introspectiva en concepto. Deformar el pop y llegar a extremos del rock no “rockero”. Con las complicaciones coloridas que figuran en toda biografía, la gestación de Cure pasó por nombres como The Crawlwy Goat Band, The Obelisk y The Easy Cure.

Dejando de lado las anécdotas vamos a la llegada de The Cure a las discográficas. Enviados demos de Boys don’t Cry y 10:15 Saturday Night a los sellos más importantes, sólo contestó Phonogram. Allí se encargó de la producción Chris Parry. Así abandonaban el pueblo para pasar a tocar con Billy Idol. 1979 era coronado con el lanzamiento del primer LP “Three Imaginary Boys”. Este disco se presentaba como de concepción variada. Hay que destacar que este disco contiene un pop diferente, fresco, personal, desprovisto de virtuosismos y más que interesante. Fire in Cairo, Boys don’t Cry y el guiño intelectual de Killing an Arab inspirado en el cuento de Camus “El Extranjero” son algunas de las cosas que ese disco nos legara.

1980-81 serían los años de “Seventeen Seconds” y “Faith”. Para entonces era evidente la influencia que los clásicos de la literatura inglesa del siglo XIX (Wilde, Shelley, Dylan Thomas, etc) tenían en la poesía del grupo. Cabe remarcar la entrada de Simon Gallup en el bajo que insuflaría firmeza en las composiciones del grupo. The Final Sound, 17 segundos, A Reflection, Secrets y el impecable A Forest dieron, entre otros, una atmósfera particularmente sombría que formaría parte de una trilogía discográfica memorable que cerraría su ciclo con “Pornography”.

“Faith” continuó la tradición Cure, parecía arrastrarse por un fondo oscuro en el que se sentían cómodos. Ese mismo año trabajarían también en el film minimalista Carnage Visor. Polydor había intentado entrar al mercado yanqui con un doble llamado “Happily Ever After”, sin embargo fue demasiado frío el recibimiento que la gira Picture Tour. Por ello “Pornography”, editado en 1982, el final de la trilogía que fue del gris al más oscuro de los negros estuvo a punto de convertirse en el último disco de los Cure. Violencia contenida, desgarramiento, acidez, obsesión; Pornography era el fondo absoluto. Como si el contenido del disco se hubiese desbordado, el presente se tornó caótico. O todos corrían a internarse a un asilo para grupos con desequilibrios o The Cure estallaba. Y lo segundo ocurrió. Robert Smith, Lol Tolhurst y Simon Gallup dividieron sus caminos. La tirantez entre la ideología y las responsabilidades comerciales se tornó inmanejable; el resultado fue bastante previsible. Parry estaba desesperado, ahora que The Cure había empezado a ser rentable, les agarraba un ataque de individualismo existencial.

Después del asueto, el dúo de base volvió a encontrarse, Tolhurst cambió la batería por los teclados y Smith estaba con nuevas inquietudes. La electrónica daba una mano importante y “Japannese Whispers” se concretaba para tranquilidad de muchos. Costó mucho convencer a Robert de que no cortara tan drásticamente con el pasado; inclusive quería firmar el primer single Let’s Go to Bed y Just one
Kiss con el nombre de Ex Cure, Recure o algo así, pero el esfuerzo de Parry valió la pena; el single fue un éxito y éste se completó con la llegada del cineasta Tim Pope que, a través de sendos videos, se transformaría en el conductor de la imagen del grupo, una imagen donde el humor bizarro y la fantasía infantil iban a jugar un
papel importante

En 1984 se graba “The Top”, en donde The Cure se acercaba a la cima creativa; catalogado por muchos como disco de transición, pero realmente fue la vuelta de un Smith con todas las luces y todas las “sombras” de un modo envidiable. De vuelta a tierra firme, un plácido aroma a obra de arte. El paso siguiente sería la grabación de “Concert - The Cure Live” que rescataba lo realizado en la última gira.

En 1985 se editaría “The Head on The Door” la manera más exquisita de hacer efectivo un pop renovado, original, inteligente y a la vez fiel a la sensibilidad de ese mundo introvertido. La cima estética, la cima sónica que llevó a The Cure a ser conocido en todos los rincones del planeta. Todos los detalles de un disco piramidal, básico, histórico. El diamante alcanzaba su máximo esplendor gracias el arte del tallado de Smith, Tolhurst, Gallup (que volvía después del distanciamiento) , Williams y Thompson.

En 1986, sale al mercado “Standing on a Beach”, compilación de algunos de los temas del grupo en el periodo 79 - 85. Al año siguiente editan el “Kiss Me Kiss Me Kiss Me” un doble Lp en el que intentan fusionar un poco los sonidos alcanzando un éxito de ventas.

En 1989 publican “Desintegration” un intento más que exitoso de volver al sonido de “Pornography”, en donde Smith se sumerge en un abismo de soledad y sombras. Es también su álbum más hermoso debido a las diferentes texturas sonoras que son abarcadas en el disco. Un año después algunas de las mejores canciones de los Cure se recopilarían en “Mixed Up”.

“Wish” se puede concebir como el sumun compositivo de Smith. Es el disco en el que mejor se ven todas las facetas de la banda, desde la más melancólica y entristecedora hasta la más cómica. Estos temas se conjugan en un disco enriquecedor al cien por cien.

The Cure hizo un giro histórico de guitarras con flanger, hizo que muchas cabezas se abrieran al medio buscando la belleza de las sombras, hizo que un soplo desganado de oxígeno revitalizara las venas de un panorama endurecido por el falso brillo, hizo su audiencia más de lo que se le puede pedir a un producto cultural; hizo posible la renovación de una percepción esperanzada en la existencia de otras sensibilidades posibles. Jugando con los grises nos puso la cabeza en la puerta de un panorama lleno de colores indefinidos creando paisajes de desbordante belleza.

Lenny Kravitz

Como músico y productor, Lenny Kravitz tiene un talento innato. Puede recrear como nadie el sonido y el sentir de innumerables grupos del pasado; su música recuerda desde Lennon, Hendrix, y Bowie hasta la Velvet, Curtis Mayfield y Prince.

Lo que Kravitz no puede hacer es sintetizar estas influencias en un mismo estilo, cada canción tiene un sonido y parece que fue grabada por un artista diferente. Sin embargo, eso tiene porque ser algo malo, ya que Kravitz puede reproducir el sonido de sus artistas favoritos exactamente; "It Ain't Over 'Til It's Over" es lo que se escuchaba en 1972, "Are You Gonna Go My Way" es el sonido olvidado de 1968.

Su música quizá no sea original, pero si lo bastante agradable. Desde su disco debut en 1989, "Let Love Rule", las composiciones de Kravitz y su habilidad en la producción han estado continuamente mejorando y consolidandose. Su segundo álbum, "Mama Said", le llevo al nº2 de las listas con "It Ain't Over 'Til It's Over". Con "Are You Gonna Go My Way", tercer álbum del artista, editado en 1993, firmó un disco más contundente que sus anteriores trabajos y llego a cifras de venta increibles, de hecho el disco se sigue vendiendo hoy en dia.

"Circus", de 1995, sin embargo, fue bastante flojo, que consiguió que no se le tomase en serio hasta la salida de su quinto álbum, muy propiamente llamado "5", editado a mediados de 1998. En el 2000 edita un recopilatorio de grandes éxitos, "Greatest Hits", en el que reune todas las características de esa música que le han llevado a ser uno de los artistas más aclamado del panorama mundial.

El gran éxito del recopilatorio anima a Lenny a editar un disco al añó siguiente. "Lenny", título con el que sacaría su sexto disco de estudio a finales de 2001, se convierte rápidamente en todo un éxito de ventas.

Yeah yeah yeahs

Parece que haciendo honor al himno de LCD Soundsystem “Losing my Edge” que afirma orgullosamente “he oído que tu banda ha vendido los sintetizadores y ha comprado guitarras”, vuelve la nueva ola en un efecto de eco y rebote, acaparando los primeros puestos de las listas independientes y no independientes.

Así las bandas jóvenes o no tan jóvenes se dedican a emular a los héroes de la new wave y la no tan wave, para regocijo de un público ya crecido (no olvidemos que James Murphy, su compositor, es un señor mayor que ha vivido varias movidas y removidas) que vive este revival como una vuelta a la juventud y los buenos tiempos conocidos.

Al Igual que el Madchester recuperó la psicodelia, el grunge al metal de los 70 y el sonido donosti a Mocedades, surgen por todas partes, de Londres a Nueva York pasando por Australia, Suecia y hasta España, grupos que recogen el legado de los Devo, Talking Heads, Wire, Slits, Blondie, Cure y demás grupos de finales de los 70.

 

Un montón de nuevas bandas colocan un single en las listas y llenan las carpetas de las adolescentes. Los Strokes fueron la avanzadilla y ya tienen la categoría de super-estrellas con converse all-star, vaqueros de pitillo y americana raída y un montón de grupos con influencias y talento dispares siguen su camino.

Los Yeah Yeah Yeahs (desde NYC) parece que van a ser the next big thing entre los modernos y no tan modernos, buena parte debida a su imagen, otra al carisma de su cantante Karen O y también a su música (el guitarra Nick Zinner y el batería Brian Chase, reforzados por otro guitarra en directo).

Su primer disco “Fever to Tell” (Interscope, 2003) sonaba muy fresco, guitarrero y directo. Una mezcla entre la frescura de los primeros Feelies y el rock de los Pretenders, por la voz de la cantante sobre todo. Y una gran canción “Maps”.

Pronto se convirtieron en una banda de culto, por las ropas y los peinados de Karen, un tanto contrahecha pero no cabe duda que puesta a la última, y su leyenda fue creciendo en la escena musical neoyorquina hasta el punto de ser la banda de moda entre el indie bohemio-burgués (a saber Harmony Korine, Chloe Sevigny, Spike Jonze, etc) y las modernas de medio mundo. Preparados para el gran salto a nivel mediático el nuevo disco “Show Your Bones” editado el 28 de marzo de este año tiene una producción más nítida y más, quizá, mainstream, perdiendo un tanto la efervescencia del principio, pero siguen componiendo buenas canciones. “Lions”, el primer single, por ejemplo o “Turn Into”, y siguen manteniendo su estilo.

Cabe ver ahora si se convertirán en la próxima gran maravilla del pop blanco o serán otro grupo más consumido por las prisas, los medios y la ansiedad. De momento han pasado el examen del disco un tanto raspado ¿convencerán al gran público, que parece es de lo que se trata?

The Prodigy

Todo empezó en viejas carreteras de Essex, en Londres. Fue ahí donde un joven DJ novicio en el mundo de las raves, conoció a Keith Flint y Leeroy Thornill, auténticos agitadores de esas emergentes fiestas underground. Años atrás, Liam estuvo metido de lleno en el Hip Hop, hasta que un buen día se dejo caer por el desaparecido club, y por aquel entonces llamado The Barn, donde quedo totalmente fascinado y enganchado a unos nuevos sonidos ácidos y electrónicos.

Al cabo de poco tiempo de convertirse en un gurú de las raves de tan mítica época, se presentó en las oficinas de XL Recordings con una demo. Su primer single fue ’What Evil Lurks’, poco antes de producir su primer éxito ’Charly’, que aun hoy en día, junto a ’Out Of Space’, siguen siendo unos himnos para toda una generación.
En su primer directo conocieron Maxim Reality, un MC experimentado que encajó a la perfección. Su directo, contundente y violentamente incendiario, consigue fusionar con éxito absoluto la rebeldía punk con los sonidos más electrónicos, sin renunciar a latigazos de guitarras. The Prodigy se ha creado y ha nacido como un grupo de directo, eso ya dice mucho.

Su dos primeros LP’s, ’The Experience’ y ’Music for the Jilted Generation’, les consagraron dentro de una escena rave viva y rebelde, que luchaba por su libertad, y vio en The Prodigy a su buque insignia. ’The Fat of the Land’ fue su último LP, el que les lanzo al éxito mundial, con temas como ’Firestarter’ o ’Smack My Bitch Up’. Desde entonces Liam Howlett, cerebro del grupo, ha dado mas prioridad a los directos que al hecho de encerrarse al estudio para acabar el nuevo y esperado álbum... Bbaby’s got a temper,ahora estan trabajando en el nuevo album...

Rancid

Formados en Berkeley, California, en 1991, Rancid tiene una gran influencia de The Clash. El cuarteto de Bay Arena siguió los pasos del punk en los días en que prosperaban grupos como Green Day y Offspring. El grupo está liderado por el cantante y guitarrista Tim Armstrong, un fanático aférrimo y de toda la vida del hardcore, que encontró el éxito del movimiento underground con el bajista y amigo de la niñez Matt Freeman a finales de los 80’ con la banda de ska-punk Operation Ivy. Tras llegar a ser actuación fija en el legendario Gilman Street club, Op Ivy lanzó una serie de singles antes de publicar Lp debut "Energy" en 1989. Incapaces de soportar su crecimiento de popularidad, el grupo se disuelve al poco de la edición del álbum.

Freeman estuvo una temporada con la banda MDC, mientras Armstrong grabó una serie de trabajos con otros grupos. Ambos trabajaban juntos cuando Armstrong cayó presa del alcoholismo; Freeman lo ayudó a desintoxicarse, y como parte de su recuperación fundaron Rancid en 1991 junto a Brett Reed a la batería. El trío publicó su álbum presentación con cinco canciones en 1992, seguido en 1993 por la edición en Lp de su homonimo "Rancid" bajo el sello independiente Epitaph. Tras incrementar la banda con la adquisición de un segundo guitarra, Lars Frederiksen, anteriormente miembro del UK Sub, Rancid graba en 1994 el álbum que les elevo a la fama, "Let’s Go", que vendió cerca de un millón copias simplemente con el apoyo del video "Salvation". Tras batallas por cambiar de discográfic, Rancid decide mantenerse con Epitaph, y así, en 1995 editan "...And Out Come the Wolves", con éxitos como Time Bomb o Ruby Soho.

En 1998 editan "Life Won’t Wait" donde fusionan el sonido de sus influencias, The Clash, con el ska, el punk y el hardcore. Finalmente en el 2000 Rancid vuelve a rugir con el más duro y más consistente álbum de su carrera, donde sin olvidar sus influencias, las integran profundamente para crear un sonido que, por decirlo de alguna manera, acaba por ser algo asi como la marca que delimita al sonido Clash de 1978 y el punk - hardcore de la escena de los 80’ en Los Angeles.

Ramones

En 1974, más exactamente en Forest Hills, Johnny en guitarra, Joey en Batería y Dee Dee en bajo y algún vocalista ocasional, comienzan a ensayar temas rápidos y cortos en un garage. Al tiempo, la formación de la banda queda reconstituida (cambios incluidos) por Johnny en guitarra, Dee Dee en bajo, Joey en voz y Tommy en batería.

La música de los recién nacidos Ramones (apellido que Paul McCartney utilizara en sus comienzos con los Fab Four en Hamburgo: Paul Ramone), suena como una patada en los dientes de la más clásica "escene" neoyorquina todavía sumergida en el underground. Los Ramones mezclan diferentes corrientes. Por un lado, utilizan bases del power-pop y por el otro, se apoyan en el "Glitter Rock".

De ahí nace el típico sonido Ramones: híbrido entre una motosierra y un martillo neumático. Los textos que habrán de utilizar, sugieren soluciones simples a determinadas frustraciones. Si utilizan el "I Wanna", lo hacen con pasión extrema y hasta con un dejo de ternura. Si utilizan el "I Don't Wanna", se lo quitan de encima sin ningún problema.

Con el sonido redondeado, los temas listos y las gastadas camperas de cuero, caen en el CBGB de New York, lugar que por entonces, gozaba de las bondades de las reuniones punks. La primera actuación de Los Ramones resultó casi funesta pero, no hizo demasiada mella en los cuatro integrantes de Queens que decidieron empezar nuevamente.

En 1976 graban su primer larga duración que se habría de llamar sólo "Ramones". Cuando el disco salió a la venta, se los acusó de ser una ofensa nacional. Y en realidad, sí lo eran porque resultaban insultantes en todos los sentidos. Sus letras eran insultantes, su "fachada" era insultante, su velocidad tocando era insultante... Ese trabajo resultó ser una broma pesada. Catorce escupitajos punk canturreados monótonamente, sin darse respiro entre canción y canción aparecieron de la nada saboteando los dorados bucles del glam.

Un empresario inglés contrató a Los Ramones y tocaron finalmente en el Roundhouse de Londres. A lo largo de las tres funciones que ofrecieron, un público ávido de noticias revolucionarias los ovacionó. Entre ese gentío, estaban los que más tarde se convertirían en la otra cara más solicitada del movimiento: Johnny Rotten, Sid Vicious, Joe Strummer, Paul Simonon, Steve Sverin, Paul Cook y Malcom McLaren, dueño de Seditionaires, la tienda más famosa de ropa punk.

1977 trajo el segundo trabajo musical de Los Ramones: "Leave Home" y un año después, la misma ciudad que les cerró las puertas en la cara habría de rendirse bajo sus pies en Palladium. Para fines del '77, Tommy Ramone abandona al grupo bajo condiciones no demasiado claras e ingresa Marc Bell o Marky Ramone. En este nuevo baterista, Ramones se consolida musical y compositivamente. Comenzaba a gestarse el tercer trabajo de estudio de la banda.

En 1977 nace "Rocket To Russia". Trabajan con Phil Spector, un perfecto suplicio para la banda. Spector se emborracha, maldice, los persigue con una pistola. Es un Spector perfeccionista que choca con la disciplina de andar por casa impuesta por Tommy que no solamente se había encargado de coproducir sus primeros discos sino que también fue responsable del concepto Ramone: declaraciones, posturas, respuestas mostrándolos como una familia feliz en la que nadie discute jamás, nadie toca nunca con otros que no fueran los Ramones y todos componen una escena de chicos buenos sentados alrededor de una mesa tomando latas y latas de cerveza.

A partir de la deserción de Tommy, es Johnny quien toma las riendas musicales y las tensiones entre él y Joey no tardan en aparecer. Joey necesita un éxito mayoritario de una vez. Johnny no cree que las cosas sean así y Dee Dee aprovecha la situación para componer más y más. El resultado puede verse en "Road To Ruin", editado en 1978.

En 1979, los Ramones, justificando cada vez más su actitud hacia el show business, lanza al mercado lo que habría de ser el resumen perfecto de dos años de tocar en vivo. Aparece "It's Alive" con veintiocho temas tocados al mango y con la velocidad del demonio. Los Ramones ponen su propio broche de oro y punk a la década del '70. Graban la banda sonora para la película "Escuela secundaria de rockanrol". En 1980 aparece "End Of The Century" producido también por Spector.

1981 trae de la mano a "Pleasant Dreams", un disco dirigido desde la consola por el ex 10CC, Graham Gouldman. Algunos críticos especializados, coincidieron que el trabajo de los Ramones había caído en un pozo de pop y de rock del que muy difícilmente pudieran salir airosos pero, los seguidores más acérrimos dieron el sí a "Pleasant Dreams" y de ahí salieron hits absolutos como "She's a Sensation" y "Don't Go".

Luego de muchísimas presentaciones en el "Haber" y dos años dispuestos en el "Debe", los Ramones deciden cerrar las cuentas y largarse en 1983 con "Subterranean Jungle", disco que trajo aparejado incontables polémicas entre sus seguidores (bueno-peor) y peleas internas entre Dee Dee, Joey y Johnny. Mientras tanto, Marky Ramone deja la agrupación. Dos años más y finalmente, en 1985 sale a la venta "Too Tough to Die", un disco paralelo y exactamente proporcional a " Subterranean Jungle". El lugar de Marky fue ocupado por Richie Ramone.

En el 86', los Ramones vuelven al ruedo con "Animal Boy", un disco fuerte y singularmente endurecido por los renovados instrumentos imprimiendo sonidos más heavys. Ganan una estatuilla en el "N.Y. Music Awards" en la categoría "Single del año" con el tema "Bonzo Goes to Bitburg" El 4 de febrero de 1987, Los Ramones tocan en Buenos Aires en el Estadio Obras Sanitarias. Una vez finalizado el recital se producen algunos altercados con la policía.

En 1987, Los Ramones ganan otra estatuilla más en el "New York Music Award" por Mejor Album ("Animal Boy"). En ese mismo año, "Halfway To Sanity" se larga al merca al mercado con doce temas crudos y prolijos. Debbie Harry (Blondie) colabora en el tema "Go lil'Camaro".

"Ramonesmanía" nace en 1988 y aparece como compilado de las mejores canciones de Ramones en un álbum doble. Stephen King propone al grupo escribir el tema central de la película "Cementerio de Animales basada en un libro de su autoría. En 1989 editan el álbum "Brain Drain" en el que logran un sonido bastante prolijo y cuidado. Marky Ramone regresa al grupo. Dee Dee lo abandona. Chris Ward un fanático de dieciocho años, ingresa a los Ramones.

En enero de 1990, Joey Ramone sufre un accidente en una presentación realizada en el Ritz de Nueva York. Como consecuencia del mismo, el vocalista es obligado a mantener seis semanas de reposo a causa de la rotura de los ligamentos de una pierna. También, fue intervenido quirúrgicamente. En ese mismo año aparece "All The Stuff (And More) Vol. I y II, disco que reedita sus primeros cuatro álbumes e incluye demos viejos y temas inéditos. Viajan a Toronto y actúan en la película Car 54 film inspirado en una serie que llevaba el mismo nombre y que se transmitía a fines de los '60. El director del largometraje fue Bill Fishman.

Se presentan en Canadá, Bélgica, Alemania, Suecia y Finlandia acompañados por el nuevo C.J. en el bajo. Tocan en el primer festival de música realizado luego de la unificación de ambas Alemanias. Se presentan junto a Iggy Pop. En Bélgica tocan junto a Sonic Youth y The Pogues.

En 1991 aparece "Loco Live", disco grabado en vivo y plasmado en España. El 26, 27 y 28 de abril de 1991, los Ramones hacen su segunda incursión en Buenos Aires. Actúan en el estadio de Obras Sanitarias. En mayo de ese mismo año, Joey participa en una reunión llamada el Botton Line de Manhattan y que fue calificada como un encuentro entre los compositores más importantes de la década. Joey comparte su lugar junto con Andy Shernoff.

En julio del '91, Marky y Joey participan como panelistas del seminario "Rock The Vote", entidad encargada del registro de votantes y de aportar incentivos para que la gente participe en la política activamente. Los Ramones filman un video para esta organización que se difunde por la MTV. La música de fondo corresponde al tema "I Believe in Miracles".

El 17 de julio en el CBGB's Gallery, Joey canta tres temas acompañado por Fred de Television en bajo, Ivan de Richard Hell en guitarra, Al Maddy de John Moore en piano, Valentine de Trashaholics en batería y Bowden en segunda voz. El primer tema es "Bring it Home" de Som Cooke, el segundo es "Glad all Over" con la participación de Andy Shernoff de Dictators y Diana Mae Much en saxo. El último tema resultó ser una composición de Joey y Shernoff titulada "I Don't Let it Happen".
En 1992 aparece el álbum "Mondo Bizarro". Los Ramones dejan bien por sentado que dieciocho años dentro de la escena musical mundial, bien valen la pena.

El 16 de septiembre de 1992, The Ramones se presentan por tercera vez en la Argentina realizando cuatro shows a sala llena en el Estadio Obras. También esta vez, vuelven a repetirse los incidentes pero no entre público-policía sino entre sectores de la audiencia misma.

Mano Negra

Sus orígenes se remontan hasta Francia, donde Manu Chao, español nacido en Francia, creo junto con un grupo de compañeros de escuela la banda Le Hots Pants, particular por su pegajoso ritmo Rockabilly. Más tarde, con la idea de expresar sus influencias multiculturales, tomaron el nombre de Mano Negra de una organización extremista para conformar este grupo que sólo duro 9 años de excelente música. Debutaron en 1986 y se disolvieron en 1995.

Los orígenes de esta negra mano, nos llevan rápidamente hasta la década de los ochenta. Manuel Chao (Manu Chao) Nacido en Francia pero de origen Español y Santiago Cassariego también de ascendencia española y primo de Manu junto con otros músicos crearon un grupo de nombre Le Hots Pants.

Le Hots Pants un grupo medio encasillado en el pegajoso ritmo Rockabilly provocó buenas críticas y revisiones. Por más de un motivo el grupos tuvo que desintegrarse. Es entonces cuando Manu Chao, Santiago Casariego y Antonio Chao (también conocido como Tonyo del Borneo, Hermano de Manu) decidieron crear un proyecto con el objetivo de expresar las influencias multiculturales de su vida (la influencia Española, la francesa y argelina básicamente)

El nombre Mano Negra fue tomado de una organización extremista originaria de la ex-yugoslavia pero que tuvo mas repercusión en Andalucía, por una serie de ataques terroristas. El grupo se conformó en 1986. Su primer éxito fue Mala Vida, tema en español grabada en forma independiente por el sello boucherie. El track comenzó sonando fuerte en la radio lo cual llevo al grupo a firmar contrato con la internacional Virgin. Este hecho, por supuesto, produjo una buena cantidad de detractores en el medio alternativo frances... ¡Se estaban comercializando!.

Sea como sea y le guste a quien le guste, el grupo se volvió famoso internacionalmente y conquistó incluso el difícil mercado norteamericano. Desgraciadamente, La Mano Negra se disolvió en 1995: problemas ideológicos y financieros desquebrajaron a la banda.

Placebo

Las anécdotas que rodean a la formación de una banda como Placebo son casi hilarantes. Dos de sus miembros, Brian Molko y Stephan Olsdal fueron juntos al mismo colegio en Luxemburgo, pero nunca se cruzaron palabra alguna. Unos años más tarde se reencontraron en la salida del metro en Londres. Por la noche quedaron para hacer unas copas y de esa reunión salió el embrión de Placebo.
El primer disco de la banda saldría al mercado el año 1996. De homónimo título, consiguió una cierta repercusión en los circuitos que renegaban del brit pop, con una estética cercana a David Bowie y una voz más ambigua que la de Brett Anderson. En España mucha gente los conoció gracias a la inclusión de"nancy boy" en la Banda Sonora de Airbag.

Pero la fama les llegaría con "without you I'm nothing", un disco tan difícil, por su crudeza, de componer, como desgarrador en su escucha. Canciones como "pure morning","Every you every me" o "My sweet prince"alejan a la banda del Rock de su primer disco, para sumergirse en los rincones más melancólicos del pop.

La continuación de este "Without you I'm nothing" llegaría con "Black market music", un controvertido disco que recupera el espíritu del primer LP, y que ha servido para augmentar la baza de fans que los han visto en los conciertos de una gira que se ha alargado más de un año y que ha visitado sitios tan dispares como Turquía, Japón, Estados Unidos o Australia.

The be sharps

Corría un invierno frío del 2001 todos ya nos conocíamos, luego de la separaciones de dos bandas se juntan EmoZ y Lenny para hacer una banda. Después de varios ensayos de guitarra y bajo solos se agrega El Colo en la batería.
En ese momento nace Aun No Satisfucktorio (banda de punkska) luego de varios meses se intentó que Moths entre a A.N.S. pero no se pudo concretar, después de meses y meses de tocar El Colo viaja hacia Mendoza y EmoZ y Lenny deciden dar por finalizado A.N.S por algunas diferencias musicales entre los integrantes de la banda
Pasaron muchos meses donde los integrantes de esta banda tocaron en diferentes bandas y armaron diferentes proyectos, pero finalmente volvieron a reunirse y a tocar. Primero EmoZ y Lenny empezaron a componer, luego le propusieron al Colo y a Moths (quienes estaban formando una banda de punk rock) que vuelvan a tocar y así se se formó The Be Sharps.
Finalmente todo esto fue como un resumen ya que las cantidades de separaciones y vueltas a juntar de todos estos pibes es un quilombo!

The distillers

Hablar de The Distillers, es rendirse a uno de los estilos musicales que más está dando que hablar en los últimos tiempos, el punk. Si hay algo que les hace diferentes es esa mezcla de ingredientes activos que convergen entre si hasta explotar en forma de un punk/rock irresistible. Con tan solo dos álbumes en el mercado, "The Distillers" y "Sing Sing Death House", en el que contaron con la colaboración de Brett Gurewitz (Bad Religion) a la producción, la banda se ha hecho un hueco dentro de este complicado mundo de la música.

Con el que es ya su tercer álbum de estudio, editado a través de Warner, y de vuelta del Lollapaloza americano junto con Jane´s Addiction, Queens Of The Stone Age, Incubus, Audioslave, entre otros.
 Como ellos mismos dicen, su música es una forma de escapar del odio y resentimiento que tanto abunda en el mundo, ¿y que mejor que hacerlo a través de sonidos tan contundentes y enérgicos como los que The Distillers nos presentan?.

Audioslave

La voz de Soundgarden, la fuerza de Rage Against the Machine y el espíritu de los supergrupos de los 60 ¿Qué es lo que pasa cuando dos de los más importantes grupos de la última década se funden para crear algo nuevo? Audioslave está formado por Tim Commerford (bajo), Tom Morello (guitarra) y Brad Wilk (batería), conocidos como miembros de Rage Against The Machine con el cantante y guitarrista de Soundgarden, Chris Cornell. Su primer álbum ha sido grabado en Los Ángeles con Rick Rubin como productor. Chris Cornell fundó Soundgarden en 1985, doce años después, había vendido veinte millones de discos y colocado el nombre de Seattle en el mapa musical del rock. Por su parte, Rage Against The Machine, lograron hacer consumir sus raps cargados de contenido político al público mayoritario de, al menos, dos continentes y son considerados responsables de la actual floración de grupos metálicos que actúan con djs y rappers. La noticia de la unión de ambos grupos conmocionó a la comunidad roquera internacional y las grabaciones de sus ensayos y primeras maquetas comenzaron rápidamente a filtrase en el Internet. Encabezado por una bella pieza dedicada a Cochise, el último jefe indio que murió en completa libertad. y un vídeo sencillamente magistral, el primer álbum de Audioslave ha sorprendido a los fans de ambos grupos porque no suena ni a los unos ni a los otros, sino que constituye algo nuevo y rotundo que demuestra muy a las claras que las viejas glorias de los 90 no se han dormido en sus laureles. Ahora en el 2005 acaban de sacar el segundo álbum "out of exile" con un single muy bueno y interesante.

Soundgarden

Después de doce años en activo, los componentes del grupo de Seattle Soundgarden anunciaron oficialmente su separación el 9 de abril de 1997. Tras ellos quedan siete Lps, dos Eps y una carrera musical que les ha establecido como uno de los mejores y más influyentes grupos de esta década. Temas como Black Hole Sun o Jesus Christ Pose han quedado en la memoria colectiva de la tan mal llamada Generación X. Soundgarden fue uno de los cuatro pilares (junto a Alice in Chains, Mudhoney y, por supuesto, Nirvana) sobre los que se asentó la expresión musical más influyente de la época : el grunge.
Soundgarden nace en 1985, con Chris Cornell como vocalista y guitarra, Hiro Yamamoto como bajista, Kim Thayil como guitarrista y Scott Sundquist, más tarde sustituido por Matt Cameron, en la batería. Con éste último grabaron su primer EP, "Screaming Life", el hoy famoso sello Sub Pop, al que siguió en 1988 otro EP, "Fopp". No es hasta 1988 cuando graban su primer LP, "Ultramega OK", ya para el sello SST; este álbum causó gran revuelo e incluso estuvo nominado para los premios Grammy de ese año.
En 1988 fichan por la poderosa compañía A&M, que en 1989 les produce el que iba a ser su segundo LP : "Louder Than Love" (un disco, por cierto, que adoran los componentes de Slayer). Tras él llegaron un vídeo y un CD en directo llamados ambos "Louder Than Live". Pero es durante la gira de presentación de este disco, en 1990, cuando Yamamoto abandona el grupo, siendo sustituido por Ben Shepherd, cuyo mayor ídolo era... Yamamoto.
Mientras tanto, el resto de la banda no estaba quieto. Cornell y Cameron se unen a Stone Gossard, Jeff Ament, Mike McReady y Eddie Vedder de (sí, efectivamente) Pearl Jam, en un proyecto de homenaje a Andy Wood, el cantante de Mother Love Bone, que había muerto de sobredosis. El proyecto de estos seis gigantes se llamó Temple of the Dog, y se grabó un disco con el material producido.
En 1991 Soundgarden lanzó el que para muchos es su mejor disco: Badmotorfinger, repleto de canciones que harían estallar cualquier equipo de música: Jesus Christ Pose, Rusty Cage, Outshined, Room a Thousand Years Wide... la lista de temas es impresionante. Con este material explosivo a sus espaldas se lanzaron a una gira como teloneros de Guns & Roses, y más tarde actuaron en Lollapalooza, donde, a juicio de los que les vieron, hicieron varios conciertos para el recuerdo.
Al mismo tiempo, continuaban los proyectos paralelos; Cameron y Shepherd, junto a otros músicos, fundaron un grupo llamado Hater, cuyo disco de debut se publicó en 1993. También se publicó Motorvision, un vídeo en directo.
En 1994 Soundgarden se metieron en el estudio para grabar uno de los cinco mejores discos de esta década: Superunknown. Quien haya escuchado The day I tried to live, Mailman, Feel on black days o Black Hole Sun sabe a lo que nos referimos. Precisamente este último single fue el que les lanzó a la fama.El video (que ganó un premio de la MTV) y la propia canción eran casi perfectos. Mucha gente acusó a Soundgarden de haberse vendido por hacer temas más lentos y menos ruidosos. ¡Menuda #$&/#$#! Si algo ha sabido hacer Soundgarden ha sido evolucionar; en sus discos se nota una progresión continua, pero sin perder ese sonido clásico de la banda.
Y de repente todo empezó a deshacerse. En 1995 los médicos descubren que Cornell tiene una grave enfermedad en sus cuerdas vocales, a consecuencia de haberlas forzado durante tanto tiempo, lo que obliga a la banda a suspender momentáneamente la gira. Se desataron los rumores alrededor de la banda, y se llegó a hablar de cáncer en la garganta, algo completamente falso.
En 1996 se lanza Down on the Upside (Deprimido en la Cima, un título muy propio para una banda con tanta fama de depresiva). El álbum está más cerca de Superunknown que de Badmotorfinger, aunque tiene características propias, como todos los de la banda.
Durante el verano se anuncia que a finales de 1997 volverán a entrar al estudio de grabación, pero el 9 de abril se anunció la disolución de Soundgarden "amigablemente" como dice el comunicado oficial. ¿Por qué? Posiblemente la causa principal sea la enfermedad de Cornell, pero también han pensado que su ciclo como Soundgarden ha terminado y que es hora de dedicarse a nuevos proyectos. Si ha habido roces internos no ha trascendido ninguno, pero esas cosas acaban por saberse al cabo de un tiempo.
¿Qué queda de Soundgarden? Unos componentes capaces de desenvolverse más allá de la sombra de la banda y un inmenso legado musical que sólo con el tiempo apreciaremos en su justa medida. Además de un Chris Cornell que lanza nuevos trabajos.

Smashing pumpkins

Los Smashing Pumpkins están considerados actualmente como uno de los grupos de rock más influyentes del mundo. La combinación de su talento y ambición les ha conducido hacia su grandeza.

Billy Corgan nació en Chicago, pero vivió en distintos sitios a raíz de la separación de sus padres cuando era muy joven. Su padre tocaba la guitarra, pero sin embargo la aspiración musical de Billy no nació hasta que tuvo catorce años, cuando probó la guitarra eléctrica de un amigo.

En 1987, Billy conoció a un guitarrista que compartía con él su gusto por Led Zeppelin y Black Sabbath. Este guitarrista era un japonés-americano llamado James Iha. La bajista, D'Arcy Wretzky, fue la siguiente en unirse a ellos. Y finalmente, después de usar en sus inicios una caja de ritmos, se incorporó también al grupo un batería de jazz llamado Jimmy Chamberlin.

Chicago era una difícil ciudad para que los Smashing se dieran a conocer. Siendo una ciudad más conocida por la presencia de otro tipo de rock, con bandas como "Ministry" y "Urge Overkill", el grupo se sentía fuera de lugar. "I Am One" fue su single de debut, lanzado en un sello independiente local. Pero al influyente sello de Seattle, Sub Pop, les gustó y les ofrecieron lanzar su siguiente single. Pronto vendría el primer álbum de la banda, "Gish". Este LP fue producido por Butch Vig, quien más tarde produciría el "Nevermind" de Nirvana (y que actualmente es el batería de Garbage).

El problema de "Gish" es que fue lanzado al mismo tiempo en que Nirvana estaba oscureciendo a cualquier otra banda de rock en todo el mundo, por lo que tuvo que ser relanzado a finales de 1991, y al poco tiempo, a principios del 92, editaban ya el EP "Lull", cuya canción clave era "Rhinoceros". Una intensa gira en ese año 92 y un tema en la banda sonora de la película "Solteros" ("Singles"), junto a grupos como Pearl Jam y Soundgarden, les ayudó a darse a conocer, y ya empezaban a ser considerados por aquel entonces como una banda importante dentro del movimiento grunge.

Pero los Smashing no estaban nada estables durante la grabación de su segundo álbum. James y D'Arcy acababan de romper tras una relación de varios años. Jimmy tenía problemas con las drogas y el alcohol, y Billy no salía de su depresión.

Así, Billy recibiría tratamiento psiquiátrico y dejaría la banda durante un corto espacio de tiempo, tiempo que emplearía para escribir bastante material para su siguiente álbum, "Siamese Dream", en el que de nuevo trabajaron con Butch Vig. Billy supo conducir al grupo hacia su mejor rendimiento. Si ellos no eran capaces de algo, él mismo tocaba los instrumentos. El álbum debutó en el número 10 de las listas americanas, siendo "Today" el single de mayor repercusión. Los Smashing aprovecharon este éxito para dar una gira mundial en 1994.

Durante 1995 circularon rumores acerca de que el próximo álbum de los Smashing iba a ser un doble álbum. Billy había dicho que quería hacer un disco que fuera equivalente a lo que supuso en su momento "The Wall" de Pink Floyd.

Y así fue. "Mellon Collie and the Infinite Sadness" disparó inmediatamente, y de forma fulminante, la carrera de los Smashing Pumpkins, vendiendo millones de copias en todo el mundo, y dando de nuevo otra gira mundial. De este disco han salido varios singles de gran éxito, como "Bullet With Butterfly Wings", "1979", "Tonight, Tonight" y "Zero".

Pero 1996 no fue finalmente un buen año para el grupo. Así, a la muerte por sobredosis del teclista que les acompañaba en directo, Jonathan Melvoin, se le unió la detención de Jimmy por posesión de drogas, lo que supuso para él la expulsión de la banda. Jimmy se enfrenta ahora, si era encontrado culpable, a una pena de un año en la cárcel. En la gira de "Mellon Collie" fue sustituido por Matt Walker, de "Filter".

Tras quedarse sin el batería Jimmy Camberlin, 1998 se les presentaba a los Smashing como la oportunidad de renovar su sonido, hecho que Corgan ya mencionó que harían en su cuarto álbum de todos modos. Adore sin embargo, no fue un cambio drástico. Usando baladas pop y el ritmo sintético de "1979" como punto de partida, Smashing creo un álbum elegante que, curiosamente, suena fuera de tiempo. Ciertamente es diferente de su trabajo previo, pero las diferencias no son excesivamente sustanciales. Cuando los sintetizadores se añaden a una forma predeterminada de hacer música, el resultados es muy parecido al de bandas contemporáneas como The Cure o Depeche Mode. Pero esa idea cambió desde que "Adore" recrea su propio mundo por medio de apoyarse en los teclados, guitarras acústicas y una selección de baterías y máquinas. En definitiva, la ruptura con el sonido anterior se hizo, pero quizá ese no era el camino correcto.

¿Como puede un disco de platino no ser un éxito? Preguntarselo a "Adore". El disco no tuvo demasiado éxito, consiguiendo enojar a todos, menos a críticos y fans extremos. La gente esperaba algo más del disco. Siendo Billy tan megalomaniaco, decidió cerciorarse de que su siguiente trabajo fuera todo lo que se esperaba de su banda. Las relaciones con el baterista Jimmy Chamberlin quebradas en el pasado volvieron a retomarse, siendo la primera señal de que el grupo había dejado atrás cualquier aspiracion electrónica tipo "Adore" volviendo así al puro rock. De esta manera se confecciona su sexto álbum, "Machina: Machines Of God", editado en el 2000, un regreso a las formas que les hicieron convertirse en estrellas.

Y la historia podía haber acabar ahí. Tras la edición de "Machina..." los de Chicago deciden retirarse, pero no sin antes declarar que las grandes multinacionales les han estafado, y no solo a ellos, sino a todos aquellos artistas que se someten a ese tipo de dictadura agachando la cabeza. Como colofón de su carrera realizan una gira despedida que les lleva a tocar en todo el mundo y regalan "Machina II" a todos aquellos que lo deseen colgando los temas del disco en Internet para que sean descargados de manera gratuita.

Muse

Muse se dieron a conocer hace relativamente poco tiempo; sus primeros éxitos son de 1998. Su sonido se ha comparado muchas veces con el de Radiohead, pero desde luego son bastante diferentes; entre otras cosas, Muse suelen incluír en sus canciones riffs de piano y (a veces) de música culta, y son más melódicos y menos aficionados a los sonidos electrónicos que Radiohead en sus últimas etapas.

Británicos criados musicalmente en la Inglaterra de mediados de los 90, rechazaron sin embargo el pop que estaba de moda entonces para hacer un rock vivo y estimulante.



Cuando los tres muchachos eran unos pipiolos, sus padres se mudaron a Teignmouth, en el condado de South Devonshire (Inglaterra), una ciudad costera donde por lo visto no había demasiada animación; según Bellamy, lo único que se podía hacer allí era "dar una vuelta, fumar y escuchar música". Formaron su primer grupo cuando tenían 13 años, le pusieron Gothic Plague y se dedicaron a realizar versiones más bien pobretonas de clásicos indie de principios de los 90. El grupo no fue un gran éxito, por eso se cambiaron el nombre a Fixed Penalty y, posteriormente, a Rocket Baby Dolls.
Después llegó el britpop (entendamos con esto el revivalismo de los 60, el retorno de los mods, la vuelta de la estética popera más inefable, etc), una moda que a los miembros de Muse no les interesaba demasiado, algo lógico en un grupo de rock. Consideraron, en palabras de Bellamy, que "no parecia lo bastante apasionado, no se parecía a lo que debe ser la música. Por eso empezamos a escuchar música estadounidense. De alguna manera, parecía molar más". En esta época, Bellamy, Wolstenholme y Howard escuchan a grupos como Primus y Smashing Pumpkins, y discos como el 'Nevermind' de Nirvana (el disco que inauguró el grunge) y el 'The Bends' de Radiohead, según parece el único grupo británico que contaba con sus respetos.

Bueeeno. Por fin Rocket Baby Dolls se dan cuenta de que con el nombre que tienen no van a ninguna parte y se lo cambian definitivamente a Muse. Se empiezan a tomar el grupo en serio, ensayan con más frecuencia y buscan locales donde tocar, aunque, por lo que Bellamy sigue contando, no hay demasiados en Devon. Y de pronto, sin saber muy bien cómo, la historia se acelera; sacan un par de singles, titulados 'Muse' y 'Muscle museum', publicados en la compañía Dangerous Records, y actúan en el festival 'In the city' (1998). Un par de compañías yankis se empiezan a interesar por ellos. En noviembre de 1998 tocan en el CMJ de Nueva York y en el Mercury Lounge; si antes en EEUU estaban interesados en ellos, ahora ya están completamente flipados. (Y cualquiera que haya oído alguna de esas dos canciones lo entenderá).
Publican varios singles que son éxito en todo el mundo: 'Uno', 'Cave', una reedición de 'Muscle museum', 'Sunburn', 'Unintended', otra reedición de 'Muscle museum' y por fin el primer disco: 'Showbiz', considerado por la crítica como uno de los mejores del año. A principios del 2000 se van de gira por EEUU con Foo Fighters y Red Hot Chili Peppers, de la cual vuelven con una imagen totalmente transformada.
En 2001 Muse publicaba su segundo disco, 'Origin of symmetry'. Bellamy (¿quién si no?) cuenta: "Si generalizamos, yo diría que tenemos un sonido definitivamente más fuerte, más heavy, mejor, pero eso es una generalización demasiado amplia.


Hay canciones nuevas que sorprenderán a todo el mundo, canciones vistas desde un ángulo totalmente diferente. Hemos querido elegir algo un poco más especial, ofrecer una música completamente nueva y desafiante. La moda tendrá que acercarse a nosotros." Y de hecho la moda se acercó a ellos; tuvieron bastante repercusión esas dos geniales canciones contenidas en él que son 'Newborn' y 'Plug in baby'...
Hacia finales de 2003 Muse ha sacado el que hasta ahora es su último disco, 'Absolution', que en mi opinión va a ser el de su confirmación definitiva. Muy poca gente -que no salga por la noche exclusivamente a sitios de pachanga o bakalas- habrá dejado de escuchar por ahí el primer y genial single 'Time is running out', con su ritmo pegadizo y la potente voz de Bellamy. Y sin olvidarnos del segundo single 'Hysteria' que también suena bastante, aunque sin llegar al nivel de 'Time is running out'...

Este disco tiene ciertos tintes religiosos en la temática, puesto que contiene canciones tituladas, 'Apocalypse please', 'Sing for absolution' o 'Thoughts of a dying atheist', las dos primeras un tanto solemnes y la última más movidilla (y sencillamente genial; atención a la letra...). Pero sólo tintes, puesto que en él podemos encontrar canciones de todo tipo: rápidas, lentas, solemnes... y por supuesto el estilo al que Muse nos tiene acostumbrados.

Green Day

Green Day se formó en la localidad de Berkeley, California, en 1989. Una vez pasada la fiebre de bandas alternativas post-Nirvana y rota la dominación del sonido pop en las listas de ventas, podemos decir que Green Day es la segunda banda que más a influenciado en la música, siguiendo muy de cerca a Pearl Jam. Lo que Green Day consiguió fue el revivir el sonido punk, con canciones cargadas de energía y velocidad, y realizadas con tres simples acordes.

Aunque su música no era particularmente innovadora, trajeron el sonido del punk de finales de los 70’ a una nueva generación gracias a “Dookie”, su primer trabajo para una multinacional que se editó en 1994. Los de Green Day se quedaron alucinando cuando “Dookie” vendió más de ocho millones de copias, y su continuación “Insomniac” tres millones. Pero lo importante no es que vendieran tantos millones de discos, sino que influenciaron a todo un elenco de bandas y abrieron las puestas a toda una inundación de neopunk americano, punk metal, y a una tercera oleada de ska.

Green Day se cultivó en la California septentrional, en medio de la escena underground del punk. Los amigos desde la niñez Billie Joe Armstrong (guitarra, vocal) y Mike Dirnt (bajo; de nombre original Mike Pritchard) forman su primera banda, Sweet children, en Rodeo, California con tan solo 14 años de edad. Hacia 1989, el grupo se ve aumentado con la entrada del baterista Al Sobrante y decide cambiar su nombre por le de Green Day. Ese mismo año, la banda edita con un sello independiente su primer EP, “1.000 Hours”, que fue bien recibido en la escena punk hardcore de California. Muy pronto, el grupo firma un contrato con el sello independiente local, Lookout, y Sobrante es reemplazado con John Kiftmeyer. “39/Smooth”, sería el primer álbum de los de Berkeley, y se edita en 1990. Poco después la banda vuelve a cambiar de baterista siendo Tre Cool (de nombre original Frank Edwin Wright III) el elegido.

A principios de 1990, Green Day continua sembrando fans, convirtiéndose en banda de culto, título que ganó fuerza con la edición de su segundo álbum en 1992 titulado “Kerplunk”. El éxito underground de “Kerplunk” hace que las multinacionales comiencen a fijarse en el trío con lo que Green day decide firmar para Reprise. “Dookie”, el disco presentación con una gran discográfica de los de Billie Joe sale a la luz a principios de 1994.

Gracias al apoyo de la MTV con el sencillo Longview, “Dookie” consigue encaramarse en las listas de más vendidos en en EE.UU. El álbum continua vendiéndose con ímpetu a lo largo de todo el verano, con el segundo single "Basket Case" manteniéndose durante cinco semanas en el nº 1 de las listas de rock. A finales del verano, la banda es invitada a tocar en el Woodstock 94’, lo que ayudó a aumentar las ventas de “Dookie”.

El cuarto sencillo "When I Come Around" permanece siete semanas como número uno en las listas de ventas rock a principios de 1995, “Dookie” había vendido alrededor de 5 millones de copias solamente en EE.UU. y diez millones de copias si contamos con las internacionales. “Dookie” También ganó el Grammy en 1994 como Mejor Disco Alternativo.

A “Dookie” le sigue rápidamente “Insomniac” a finales de 1995; durante el verano, vuelven al número uno de las listas rock americanas con J.A.R. “Insomniac” comienza vendiéndose bien, llegando al nº 2 en los U.S.A y a las dos millones de piezas vendidas a comienzos de 1996, pero ninguno de los singles, inclusive el favorito de las radios, Brain Stew/Jaded, consiguió ser tan popular como los del “Dookie”. Es también a principios de 1996 cuando Green Day cancela bruscamente el tour europeo, el agotamiento les pasa factura.

Tras la cancelación, la banda se pasa un año descansando y escribe material nuevo para lo que sería su siguiente trabajo, “Nimrod”, que se publica a finales de 1997. Por supuesto, las canciones rápidas, y el punk pegadizo siguen asentando la base del sonido del grupo, así hay cantidad de momentos y sonidos ya familiares en el álbum, pero también hay detalles nuevos que hacen del disco algo sublime. Algo más tranquilo que sus predecesores, "Nimrod" sufrió la crítica de ser un disco más del grupo, con una duración que no sobrepasaba los 50 minutos sumando los 18 temas. Aun así, "Nimrod" es el salto triunfante de Green Day, el disco con el que se embarcaron en un nuevo sonido que prometía cambiar el panorama del punk rock californiano.

Tres años de espera tuvieron que soportar los fans del grupo para ver su quinto trabajo “Warning”, editado a finales del 2000. Para Green Day, editar un nuevo álbum en el 2000 fue una tarea complicada. Tras la edición de "Nimrod", un disco en el que se dedican a experimentar, tenían dos senderos para elegir, podían volver a sus raíces como les pedían los fans de la calle, o podían continuar en la dirección que tomaron con "Good Riddance", establecerse firmemente como un grupo de punk-crossover.

Asombrosamente, no escogieron ninguno de estos caminos para su quinto álbum. El éxito que la banda había cosechado les daba manos libres para hacer lo que quisieran. Ellos respondieron abrazando sus raíces pop, que siempre habían estado patentes en sus discos pero en una capa muy profunda, para así firmar el mejor álbum de su carrera. Aquí no hay espacio para las baladas y si para auténticos puñetazos sonoros, rock contagioso, y tiempos tan rápidos que si nos descuidamos, nos romperemos el cuello de no parar de moverlo. Se centran en realizar buenas canciones, con la instrumentación y los arreglos al servicio de las letras. Green Day maduran con este álbum, el mejor que han producido, un conjunto perfecto de canciones en el que pasaron de las muchas artimañas que se pueden hacer en un estudio. Para contrarrestar esto, se apoyan en las letras divertidas de Billie Joe, en ingeniosas melodías y en arreglos imaginativos.

Puede que "Warning" no sea un disco innovador, pero si muy satisfactorio. No ha habido un álbum de más puro pop desde el "In It for the Money" de Supergrass, otra banda de jóvenes que lo hizo todo y sin darse cuenta de lo que hacían. Se puede definir como el primer álbum de autentico y genuino pop del nuevo milenio.

En el año 2001 aparecio el recopilatorio "international superhits" y un año mas tarde (2002) shenanigans,con publicación de caras b y temas aparecidos en recopilaciones, entre ellas la version de los kinks "tired of waiting for you", y las de los ramones "outsider".
"American idiot", un disco conceptual,les llevaria a ganar el premio al mejor disco rock de año.

Sex Pistols

Originalmente, la banda se formó cuando Steve Jones y Paul Cook, junto a Warwick Nightingale formaron The Strand. De los instrumentos y los equipos se encargaba Jones, quien, provisto de un maravilloso sentido práctico, simplemente los robaba.

Jones solía pasar sus fines de semana en la tienda de Malcom McLaren. Trabajando junto a los New York Dolls, McLaren había comprendido que en una banda lo que más importaba era la actitud. "Creo que la única razón de ser es incitar a todos esos chicos a crear más aventura en sus vidas," decía en 1977, "y apoyarlos para que digan lo que piensan, esa es la única razón de ser del rock'n'roll".
Pronto Glen Matlock se unió a la banda como bajista. Sin embargo, la prioridad, según McLaren, era encontrar un vocalista. Cook y Jones ya lo habían intentado, y la búsqueda de nueva sangre llevó a la partida de Nightingale. McLaren conocía a un visitante regular de su tienda: un John Lydon adolescente, con el pelo teñido de verde. Lydon hizo la prueba para la banda acompañando a Alice Cooper en el jukebox de la tienda: fue aprobado inmediatamente. Como resultado de los constantes comentarios de Jones acerca del estado de los dientes de Lydon, éste se convirtió en Johnny Rotten (es decir, "Johnny Podrido"). McLaren tomó prestado un slogan y llamó a la banda "Sex Pistols". Al principio trabajaron sobre discos de los '60; pero pronto comenzaron a escribir su propio material.

Su primer show fue en noviembre de 1975, y no fue ningún éxito. Sin embargo, siguieron tocando, y lentamente lograron algunos seguidores. El 8 de octubre de 1976 firmaron contrato con EMI, y grabaron su single debut, "Anarquía en el Reino Unido".

La televisión se encargó de promover lo que hasta el momento era conocido solamente dentro del ghetto punk. El primero de diciembre, la banda apareció como reemplazo de último momento en un programa de TV. Llegaron cinco minutos antes de salir al aire; fueron entrevistados en vivo por Bill Grundy, quien procedió a provocar a la banda pidiéndoles que dijeran "algo loco". Para Steve Jones en particular era una invitación abierta y contestó con una serie de "maldiciones" que escandalizaron a la audiencia de las cinco de la tarde. Johnny Rotten tampoco se quedó atrás, y dijo por primera vez en la historia de la televisión fuck off" en cámara. Al día siguiente las portadas de los periódicos estaban repletas de fotos de la banda. Mejor golpe de marketing, imposible. EMI les devolvió el contrato.

En febrero de 1977, Glen Matlock dejó el grupo. Su reemplazo fue Sid Vicious, que no sabía tocar el bajo. Como escribió un periodista: "Todo el mundo debe admirarlo porque ha logrado ser un ídolo de la forma más difícil posible: sin saber hacer ni una maldita cosa." Tampoco a Sid se le escapaba ese detalle; cuando le preguntaron si era cierto que los Pistols pensaban despedir a McLaren, Sid respondió dulcemente: "Deberían deshacerse de mí primero. Soy totalmente inútil. No puedo hacer nada."

En marzo de 1977 los Pistols firmaron un nuevo contrato discográfico con A&M Records. Su primer simple sería "God Save The Queen". Sin embargo, unos pocos días después A&M expulsó a la banda del sello debido a una serie de escándalos, pagándoles una jugosa indemnización. La estrategia de provocación de McLaren estaba dando resultado.

En mayo, el grupo firmó su tercer y último contrato, esta vez con Virgin, y pronto fue editado "God Save The Queen", cuya máxima reza: "No hay futuro en Inglaterra". El diseño de tapa mostraba la cara de la reina con un alfiler de gancho atravesándole la nariz en perfecta tradición punk y no sorprendió a nadie que fuera prohibido ampliamente. El disco alcanzó la tercera posición en el ranking británico, mientras la banda preparaba su esperado LP, lanzado finalmente el 12 de noviembre: Nevermind The Bollocks, Here's The Sex Pistols. De pronto, Inglaterra les quedó chica.

El grupo viajó a los Estados Unidos en enero de 1978: la gira marcaría el fin de su inestable carrera. En la última fecha, en el Winterland Ballroom de San Francisco, Rotten gritó "¿Alguna vez tienen la sensación de que han sido engañados?", una apreciación hoy célebre que marcó su partida del grupo al día siguiente. Siete días más tarde, Cook y Jones viajaron a Río con McLaren para grabar junto a Ronnie Biggs, el conocido ladrón de trenes. Los Sex Pistols se habían acabado.

En 1996, la banda se reunió para una serie de recitales. La gira se llamó, para que nadie tuviera dudas, "Lucro indecente". Los Sex Pistols no se proponían engañar a nadie, pero aún así, la reunión dejó un gusto amargo en la boca de los admiradores. Sin embargo, Johhny Rotten tiene la buena costumbre de decir la verdad él primero: "El punk siempre fue decepcionante. Y siempre lo será, siempre. Encontramos una causa común para volver, el dinero", explicaba entonces, "no lo necesito realmente, pero un poco más, ¿por qué no? Es un asalto a plena luz del día. Cada vez que alguien dice que alguna cosa es sagrada y no debe ser tocada, yo quiero tocarla. [...] Los Pistols no terminaron adecuadamente. Tanta gente ha copiado, imitado y arruinado lo que era puro y perfecto, que era tiempo de que fuese retomado. No me importa si no viene nadie a vernos en ningún lugar del mundo, francamente me beneficiaría. Esto es para que nos despidamos adecuadamente como banda.1976 la sociedad entera daba asco. Era necesario decirlo. Los Sex Pistols no fueron los primeros en hacerlo, pero sí eran lo suficientemente gritones e inteligentes como para lograr la atención de una enorme cantidad de personas en una carrera meteórica.” Su grito rabioso sigue vivo y todavía conmueve.

"No necesito un Rolls Royce, no necesito una casa en el campo, no necesito vivir en Francia. No tengo héroes en el rock'n'roll; son todos inútiles. Los Stones y los Who ya no significan nada; están establecidos. Los Stones son más un negocio que una banda". Así hablaba el bocón de Johnny Rotten en 1976.
La estrategia de provocación era clara, el olfato comercial de McLaren dominaba las acciones de la banda. Y, sin embargo, los Pistols decían la verdad. Unos perfectos inútiles revolucionaron el mundo del rock. Rabia, energía, desfachatez y valor: no hace falta ser un genio musical para conmover a generaciones, a veces basta con decir la verdad, y decirla bien fuerte.

Creed

En una época de enlatada autenticidad y rock corporativo, disfrazado de rebelión, Creed destacan como un fenómeno de bases, construido fan a fan radicalmente. El cuarteto de Tallahassee, Florida, combina potentes guitarras, voces dramáticas y atrevidas letras para hacer una música que es real, música con la que la gente real se puede identificar.

Franqueza, compromiso y fervor son los sellos de identidad de Creed, compuesto por Stapp y su compañero, compositor y guitarrista respectivamente, Mark Tremonty, y la enérgica y firme sección rítmica formada por el bajista Brian Marshall y el batería Scott Phillips. Creed es una banda joven, pero ya tocan juntos como experimentados profesionales.

Hoy en día no es tan fácil encontrar una historia de éxito tan genuina en nuestra historia popular como es el caso de Creed, tomando en cuenta todos los estrellatos y fracasos que son producto de carreras basadas en mera publicidad. Si algún grupo musical a finales de los años 90 puede afirmar haber ascendido por sus propios méritos, ese es Creed.

Cuatro miembros criados en el estado de Florida, que empezaron de cero hasta llegar a 4 veces Platino, en virtud de una combinación de canciones a pulso de dedos y unos poderosos shows en vivo, y no por una publicidad exagerada.

Como un acto de desafío directo hacia la estricta religión de síguelo-ciegamente-no-pienses-por-ti-mismoen la que se educó, Stapp abandonó su hogar a los diecisiete, empezó a escuchar música Rock (lo que estaba prohibido en casa de sus padres) y comenzó a escribir canciones que cuestionaban todo lo que le rodeaba.

Stapp empezó a interesarse por el hard-rock cuando escuchó el disco Pyromania de Def Leppard; después se hizo gran fan de The Doors. Había leido que Jim Morrison vivió durante un tiempo en Tallahassee, y pronto cogió sus bártulos y se fue a estudiar en la relativamente cercana universidad de la capital de ese estado. Aquí se unió a su por aquel entonces compañero de clase, Tremonti, y fundó su primera y única banda, Creed. Los miembros del grupo combinaron sus diversas influencias, como Metallica, Black Flag, Elvis y RythmnBlues clásico, para crear el gran bagaje musical de Creed.

En febrero de 1997, Creed lanzó 'My Own Prison' (grabado por 6000 dólares con el productor John Kurzweg ) con financiación de un promotor de conciertos local. El álbum empezó a ser pinchado en una emisora local de radio, lo que provocó que las ventas regionales ascendieran a 3000 copias en tan sólo dos meses. Wind-Up fichó a Creed poco tiempo después. 'My Own Prison' fue remezclado por Ron Saint-Germain (Tool, Soundgarden, 311) y fue relanzado en Agosto de 1998.

Con el lanzamiento de su segundo álbum, Human Clay, Creed estaba listo para subir la apuesta una vez más. Su objetivo siempre ha sido producir discos sólidos de principio a fin; discos que te llevan a través de una gama de emociones. Estos sentimientos se dejan escuchar de una manera muy clara y fuerte a lo largo de “Human Clay”. En "What If," el barítono de Stapp se vuelve feroz cuando se dirige a aquellos que el siente lo han juzgado injustamente a lo largo de los años. La intensidad también se deja colar de una manera más sutil, como en el tono lastimoso del primer sencillo del álbum, "Higher," en el cual Stapp busca refugio de los rigores del mundo exterior, mientras sus compañeros erigen un muro majestuoso de riffs para resonar su discurso.

A lo largo de “Human Clay”, el grupo entero suena como si estuviera en una búsqueda de explorar diferentes territorios sonoros, con una variedad de modalidades a lo Led Zeppelin-oriental como en el caso de la primera pieza del álbum "Are you Ready?", hasta las exuberante baladas en "Wash Away Those Years”.

En Human Clay, Stapp contempla como las responsabilidades, decisiones y acciones impactan a la gente. Las canciones del álbum exploran los temores de crecer y de dejar al lado la juventud ("Never Die"), la consciencia ("Faceless Man"), y la traición ("Beautiful"), entro otros temas. Creed reta a sus oyentes a pensar sin predicar, o de pretender tener todas las respuestas.

Para equilibrar las sensibilidades de hard rock, en Human Clay encontramos "With Arms Wide Open," una canción profundamente personal que Stapp escribió cuando se enteró que iba a ser padre.

Desde la época en que el grupo tocaba en sus primeros encuentros, Creed ha evolucionado gradualmente de muchas maneras. Después de la secundaria, los adolescentes Stapp y Temonti, que escribía letras en ese entonces, tomaron rutas diferentes, pero al final ambos terminaron en Tallahassee, donde reclutaron al bajista Brian Marshall y al baterista Scott Phillips para formar el grupo Creed.

En unos pocos meses habían canalizado sus influencias para crear esa vibrante textura musical del grupo. La reputación de Creed por sus interpretaciones dinámicas, apasionadas y en vivo, ha hecho que los shows se vendan por completo y de manera consistente. En los últimos dos años el grupo ha tocado ante dos millones de seguidores de todo el mundo entero, sin incluir la multitud que presencio la interpretación abismal en Woodstock 99.

Cuando Creed invito a Robby Krieger, guitarrista de los Doors, a compartir con ellos en el escenario, les regaló a sus fanáticos algo que recordar. Cuando Stapp presento a Krieger, la multitud de aproximadamente 200,000 estallaron de alegría y cantaron a gritos las favoritas de los Doors "Roadhouse Blues" y "Riders on The Storm". Luego, Krieger permaneció en escena para tocar guitarra slide en la canción de Creed "What's This Life For”.

A finales del 2000, Creed nos sorperendió con el anuncio sorpresivo de que Brian Marshall (bajo) dejaría el grupo, había tenido una serie de problemas con el grupo y sobretodo con Scott. Brett Hestla bajista del grupo conocido como "Virgos" ayudo a Creed a terminar la gira del 2000.

A principios del 2001 Creed entró al estudio de grabación, de manera paralela Virgos estaba grabando su nuevo material, razón por la cual el nuevo disco se grabó como un trío y Tremonti tocó el bajo y la guitarra.

El 22 de Febrero del mismo año, Creed gano el Grammy a la mejor canción en la categoría rock por: "With Arms Wide Open". Creed se mantienen fieles a su promesa, cada semana ganan admiradores que pasan a engrosar sus ya dilatadas filas. Dice Stapp: 'en los conciertos el público parece querer más. Así que incluso tocamos más duro'.